Geografía de la Industria Cinematográfica

Geografía de la Industria Cinematográfica

Données clés

Professeur(s)	Staszak, Jean-François
Cours	Geografía Económica

Lectures

• Geografía Económica: Enfoques y Temas
• Los circuitos y sus geografías
• Comercio y ventajas geográficas
• Geografía de la riqueza y del Desarrollo
• Geografía de la Industria Cinematográfica

En los últimos años se ha producido un punto de inflexión en la geografía económica que plantea interrogantes sobre ciertas formas de distribución de la actividad económica o, más concretamente, sobre una forma de concentración de la actividad económica. Hay tres elementos que hay que poner en marcha al principio para explicar este cambio en la agencia económica:

• el punto de inflexión sociocultural: es la idea de que los geógrafos que explicaron la economía por razonamiento muy económico, cuyos ejemplos son los famosos modelos de localización de Weber, Von Thünen y Christaller, vienen a explicar las localizaciones de las actividades económicas por motivos culturales o más antropológicos o sociológicos. La concentración de la actividad cinematográfica en Estados Unidos, especialmente en Los Ángeles y Hollywood en general, es un muy buen ejemplo de este fenómeno. En las explicaciones económicas tradicionales, se explicaba cómo se ubicaban las fábricas para minimizar el coste del transporte de materias primas, pero para el cine esto no funcionaba de la misma manera.
• una economía desmaterializada y postfordista: la razón por la que tal parte de la industria cinematográfica mundial está situada en Hollywood no tiene nada que ver con los costes de transporte. Entra en juego otra cosa que tiene que ver con cuestiones culturales, políticas o sociales. Este punto de inflexión se explica por el hecho de que nos enfrentamos a una economía que en gran medida está desmaterializada con la idea de simbolizar la manipulación en los países ricos. La mayor parte de la riqueza que se produce en los países desarrollados, la mayor parte del crecimiento se basa en algo que ya no es material y parte de la producción es postfordista. Se trata de nuevos métodos de producción y productos.
• los distritos industriales y el SPL: todo esto no se ha traducido en una desaparición de la geografía. No es porque la economía se haya desmaterializado que se ha librado de las restricciones geográficas. Por el contrario, en los últimos treinta años hemos asistido a la aparición de lo que se ha dado en llamar sistemas de producción localizados o distritos industriales. Muchos han sido vistos en el norte de Italia, Francia, Alemania o Inglaterra. Un ejemplo bastante espectacular de distritos industriales es la concentración de la industria cinematográfica en Los Ángeles.

Los geógrafos o economistas que teorizaron este fenómeno de distrito industrial y de concentración espacial de la actividad económica son los geógrafos de la UCLA, es decir, Allan Scott y Mickeal Storper, que publicaron libros que teorizaron este fenómeno muy reciente de concentración y que, en particular, produjeron libros sobre Hollywood y sobre el funcionamiento geográfico de esta curiosa entidad que es la concentración de la producción cinematográfica a escala mundial en un distrito de una gran ciudad. Este giro corresponde tanto a los nuevos objetos que aparecen y que las geografías económicas miran con perplejidad, como a las nuevas teorías que están diseñadas para explicar el surgimiento de nuevos objetos.

La distancia sigue siendo el elemento esencial que se refiere al problema del coste de cruzar la distancia. En los modelos clásicos que explicaban la localización de las actividades económicas, ya fuera la agricultura con Von Thünen, la industria con Weber o los servicios con Christaller, se explicaba que la localización de empresas o actividades económicas tenía por objeto reducir al mínimo los costes de transporte. Una forma de aumentar los beneficios era reducir los costes de producción, en particular los costes de transporte, y la ubicación permitía situarse donde los costes totales de transporte eran más bajos. El tema de los costos de transporte era muy importante en economías muy materiales, en economías que manejaban muchos objetos. Podríamos imaginar que en el caso de una economía desmaterializada en la que producimos sin objetos, ya no importa y así podríamos ponernos en cualquier lugar, nos liberamos de la restricción del espacio. Hay un coste para la aglomeración porque el suelo es muy caro, hay contaminación, atascos. Sería mucho más razonable instalarse en pastos de montaña donde el precio de los bienes inmuebles es más barato, donde uno está menos atestado de vecinos. Si este fenómeno no se ha producido es porque la distancia sigue siendo un problema incluso en una economía desmaterializada. Sin embargo, sabemos muy bien, casi sin costo alguno, que la información circula casi instantáneamente en cantidades gigantescas.

El problema es doble:

• es cierto que se ha avanzado mucho en el transporte de información. Se trata de una revolución en el transporte, el último desarrollo del transporte es Internet, que permite la circulación de productos desmaterializados y el intercambio de información. Al mismo tiempo, la economía ha comenzado a producir bienes cuyo contenido informativo es cada vez más importante y bienes para cuya producción es necesario tener cada vez más información. La información necesaria es producida por el economista explotó. Hace treinta o cuarenta años, logramos producir sin necesidad de mucha información y los productos que produjimos contenían poca información. Ahora, para producir, necesitamos mucha información y los productos fabricados contienen mucha información. Quizás la revolución del transporte ha mejorado mucho el flujo de información, pero esta mejora no es proporcional a la explosión de la cantidad de información que circula y esto sigue siendo un problema. Internet, el teléfono, el fax, etc. son muy efectivos para hacer circular información simple, pero no información compleja, ni información sensible, ni información muy cualitativa, ni un tipo de información que circule mucho a través de la comunicación interpersonal, que son señales no discursivas e intercambio y reciprocidad. La industria desmaterializada y el cine en particular consumen una gran cantidad de información muy compleja y muy sensible que es muy difícil de transportar. La única manera de transportar esta información es en realidad transportar a las personas que la poseen. Hay una especie de paradoja interesante: mientras la economía se desmaterializa, mientras que uno podría pensar en instalarse en el campo, uno se queda atascado pagando rentas abracadabrantescas en Ginebra, París o Los Ángeles. Hollywood es un ejemplo caricaturesco de esta paradoja que es la dificultad de transportar información si es masiva y compleja. Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

Este pequeño barrio de Los Ángeles, Hollywood, comienza a convertirse no sólo en la capital o capital mundial del cine, sino también en sinónimo del séptimo arte?

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Las Industrias Culturales

Definición

La industria cultural y el séptimo arte no se mezclan bien. Hablar de industria sobre cine hará aullar a la mayoría de los cinéfilos, el cine no es una industria, sino un arte. Para André Malraux, el cine es también una industria. El cine es también una industria, no es sólo un séptimo arte, es también una mercancía, la producción cinematográfica es también una industria muy pesada, no es una industria artesanal, pero estamos en un negocio muy colectivo, porque hay miles de personas involucradas. La inversión es muy grande para hacer una película. Por ejemplo, lo que hace sobrevivir a la industria cinematográfica estadounidense es que produce películas muy caras. Los grandes éxitos de taquilla en todo el mundo que regularmente llenan las cajas de Hollywood representan cantidades no estándar que cuestan cientos de millones de dólares. Detrás del cine, hay grandes financieros, bancos y aseguradoras. Durante mucho tiempo y aún hoy, el núcleo de la industria cinematográfica es la producción. Es una mercancía, una película se vende como una mercancía con campañas publicitarias y marketing, pero también con muchos productos derivados. No hay nada absurdo en hablar de la industria cinematográfica y no se trata de devaluar el cine.

Existe la idea de que la industria y la cultura son dos cosas que no van de la mano. Tal vez, por el contrario, lo que caracteriza los recientes cambios en la economía de nuestras sociedades es que van muy bien juntos.

El Ministerio de Industria canadiense propone la siguiente definición de industria cultural: "Establecimientos que se dedican principalmente a la producción y distribución (excepto por métodos de venta al por mayor y al por menor) de información y productos culturales tales como obras escritas, obras musicales, actuaciones grabadas, obras teatrales grabadas, programas informáticos y bases de datos. También se incluyen los establecimientos que proporcionan los medios para transmitir o distribuir estos productos o proporcionan acceso a equipos y experiencia para procesar los datos. Los principales componentes de este sector son la edición (excepto la publicación sólo en Internet), incluida la edición de programas informáticos, las industrias de grabación de películas y sonido, la radiodifusión (excepto la radiodifusión sólo en Internet), las industrias de publicación y radiodifusión en Internet, las telecomunicaciones, los proveedores de servicios de Internet, los portales de búsqueda en Internet, el tratamiento de datos y los servicios de información. Esta es una definición un tanto restrictiva de la industria cultural y no da el núcleo duro de lo que son las industrias culturales.

Un bien con un fuerte componente simbólico se definirá como bien cultural. Una industria cultural es una industria que produce bienes cuyo componente simbólico es esencial. Una industria cultural que fabrica bienes utilitarios no será una industria cultural. El mismo producto, un zapato, puede ser el fruto de una industria no cultural o puede ser un bien perfectamente simbólico y, por lo tanto, el producto de una industria cultural.

Es muy difícil decir que por un lado tendría bienes simbólicos y por otro lado bienes utilitarios, es un continuo, porque en todos los bienes hay un componente simbólico y un componente utilitario, pero hay bienes que tienen un componente utilitario muy débil y otros que tienen un componente utilitario muy importante. Un bien cultural es un bien en el que el componente simbólico es más importante que el utilitario, es un bien que es esencialmente un signo. La participación simbólica en los bienes de consumo es cada vez más importante. Compramos cada vez menos bienes utilitarios y más y más bienes simbólicos. Más precisamente, en los bienes que compramos, la parte simbólica es cada vez más importante. Hoy en día, en los bienes que compramos, hay mucho diseño, mucha distinción, mucho significado, signos y símbolos y, por lo tanto, la producción industrial es cada vez menos utilitaria y cada vez más simbólica, lo que significa que la producción industrial es cada vez menos utilitaria y cada vez más simbólica. Es también el paso del fordismo al postfordismo con la noción de personalización masiva.

Las economías de los países ricos están desmaterializadas y con el auge de Internet y las nuevas economías, los productos que se venden son cada vez menos productos hechos con materiales y más y más productos hechos con información. La desmaterialización de la economía ha llevado a que el libro se haya deshecho de la materia. Se está produciendo una verdadera transformación económica y una verdadera desmaterialización de la economía. A partir de los años ochenta, la cultura se convirtió en una mercancía. Los sectores de la cultura se han convertido en mercancías cuando antes no lo eran. La paradoja es que esta industria cultural trabaja mucho en la información, pero no se ha librado del espacio para todo eso. Este misterio ocupaba gran parte de la geografía económica y en particular a los geógrafos de la escuela de Los Ángeles.

En la bahía de San Francisco, al sur de San Francisco, alrededor de la Universidad de Stanford, se encuentra Silicon Valley." Silicio" se refiere al "silicio" que forma parte de los materiales utilizados para fabricar chips de circuitos impresos. El Valle del Silicio es el lugar donde se inventaron las computadoras personales y el software, de modo que ahí es donde comenzó esta revolución y esta nueva economía. Se trata de un espacio muy pequeño de unas decenas de kilómetros directamente relacionado con la presencia de la Universidad de Stanford. Es un distrito industrial donde se concentra la actividad informática. Por qué ha permanecido localizado aquí cuando si hay algo que ha surgido bien de las limitaciones de localización es la economía de Internet. Es un distrito industrial como el distrito del cine. Es un misterio que estas formas paradójicas de localización de las industrias culturales que esta geografía económica intenta explicar.

Podemos tener un significado restrictivo de la definición de industria cultural en la que la industria cultural se centra en la información. Hoy en día, es sin duda la principal fuente de ingresos, riqueza y exportaciones a los Estados Unidos.

Podemos tener una definición de la industria cultural donde el valor simbólico es esencial en los bienes que se fabrican. Esto incluirá muchas cosas relacionadas con la moda, el patrimonio o el cine. Las películas no tienen una función utilitaria y, aún hoy, no tienen una dimensión material. Si el producto se desmaterializa, esto no significa que la fabricación se desmaterialice.

Características

Parecería que existe una contradicción básica entre la industria y la cultura, entre la lógica industrial y la lógica cultural. La industria sería casi una "palabra sucia" mientras que la cultura sería una palabra tan "noble". El primero en mencionarlo fue Adorno in Dialektik der Aufklärungpublicado en 1947. Ante esta contradicción, ¿cómo se pueden caracterizar las industrias culturales?

Existe, en efecto, la idea de creación, son industrias creativas y creativas de novedad o creativas de contenido. En la base de cualquier industria cultural, hay un creador, creadores, o algo del orden creativo. Nunca estamos en plena reproducción. Necesitamos una diferencia en el contenido, así que necesitamos una nueva idea. No es posible hacer la misma película dos veces. Lo que nos hace ir a ver una película es que es nueva, es diferente. Sin embargo, para algunos historiadores, el hecho de que las películas actuales formen parte de la declinación de los episodios sería una señal de agotamiento e incluso quizás el final del cine. La incapacidad de Hollywood para conseguir nuevas películas en este momento y el hecho de que haya tantas películas que volvamos a empezar sería una señal de que el cine está de moda cultural.

En la industria cultural, siempre habrá una tensión entre la novedad y un producto que rompe con los códigos vigentes. Un producto cultural es un producto que tiene una idea. No hay nada más fácil que copiar. Las industrias culturales son industrias basadas en el derecho de autor. Hay un gran problema legal que es que es muy fácil duplicar un producto, piratearlo y venderlo, siendo una gran preocupación para la industria, la música, el cine y, en menor medida, la literatura. Si hay cada vez más piratería, entonces habrá cada vez menos ingresos y menos derechos de autor. El reto es generar nuevas ideas y asegurar la apropiación de la idea. Está la idea del secreto. En varias ocasiones, los productores competidores han estrenado la misma película al mismo tiempo. Una cuestión es evitar ser copiado y la otra es la búsqueda de la originalidad.

Los bienes culturales son bienes de experiencia, es decir, es muy difícil saber de antemano si se venderá un logro. Es complicado predecir el éxito de una película. No puedes saber si una idea te gustará. Estamos en una paradoja. La certeza del éxito se basa en lo que sucedió en el pasado. Por la propia naturaleza de los bienes culturales no se puede saber de antemano si funcionarán. Lo que compensa es la experiencia como es el caso de un gran productor. Es una cuestión de intuición y experiencia que consiste en identificar un buen escenario o un buen actor. Hay una dificultad extrema en el hecho de que las únicas películas que funcionan hacen millones de dólares, pero son películas muy caras. Generalmente, en la industria, hay una relación entre el coste de producción y el precio de venta, cuanto más alto es el coste de producción, más alto es el precio de venta, y entonces existe una relación entre el precio de venta y las cantidades vendidas.

Existe una desconexión entre los costes de fabricación, los precios de venta y las cantidades. Otra idea importante es la obsolescencia, que es el hecho de que los productos culturales son productos muy rápidamente obsoletos. La vida de una película, música o libro es muy limitada. La única manera de perpetuar un producto es declinarlo. Otra característica es que estos bienes tienen una dimensión tecnológica muy importante. Las industrias culturales a menudo tienen una estructura de producción dual, con enormes grupos oligopolísticos por un lado y al margen de los pequeños productores por el otro. Se dice que es una estructura oligopolística con flecos. Hay unos pocos grandes productores de cine que hacen la mayor parte del negocio y luego hay toda una serie de cientos de pequeños productores independientes. Estos pequeños productores al margen garantizan el funcionamiento del sistema, su flexibilidad y, a menudo, de ahí procede la innovación. Una gran empresa tiene grandes dificultades para innovar por definición. El pequeño productor independiente, el pequeño taller es más con una espontaneidad, flexibilidad y por lo tanto a menudo la novedad es el fleco. Por eso, la estructura económica de la vida cultural es una estructura oligopolística marginal.

Es un sector en plena expansión económica cuya producción no deja de crecer y cuyos beneficios no dejan de crecer. Esto se ha convertido en una importante fuente de ingresos para muchas economías. El cine se ha convertido en una importante fuente de ingresos y, por lo tanto, para muchos países el cine se ha convertido en una fuente de ingresos.

Este cuadro muestra en dólares constantes el valor de las exportaciones de películas y cintas grabadas por los Estados Unidos entre 1986 y 2000. En 14 años, ha pasado de 1.600 millones de dólares a 8.000 millones, casi cuatro veces esa cifra. Los ingresos procedentes de la venta de la industria cultural se han cuadruplicado desde los años ochenta.

Este diagrama muestra la evolución de la masa salarial del número de personas empleadas en las agencias audiovisuales y de prensa en Francia entre los años setenta y 2000. Hemos pasado de 100 a casi 200. Esto significa que la masa salarial y los empleados del sector audiovisual se duplicaron en el período. Nos enfrentamos a una industria que realmente está explotando, ocupando cada vez más espacio, empleando a más y más personas y generando más y más beneficios.

Producción altamente concentrada

A escala mundial

Discutiremos la producción cinematográfica y su concentración. Para ver la producción cinematográfica a escala global, primero podríamos limitarnos a un análisis cuantitativo, es decir, simplemente mirar el número de películas que se producen. Estados Unidos está lejos de ser el primer productor mundial de películas, el primer productor es la India.

Este mapa representa la producción media anual de películas entre 2005 y 2010. La producción es mucho mayor en la India que en los Estados Unidos. En promedio, en los últimos cinco años se han producido 1.150 películas en la India, en comparación con 500 estados, por lo que, en promedio, se producen el doble de películas en la India que en los Estados Unidos. Hay varios polos de producción cinematográfica, pero el más conocido está en Mumbai, que es Bollywood. Es un poco irónico copiar el mundo de Bollywood a Hollywood, porque la industria cinematográfica se desarrolló en Mumbai antes de desarrollarse en Hollywood. El desarrollo de Hollywood siguió el desarrollo de los estudios de Mumbai. Los estudios de Mumbai se desarrollaron a finales del siglo XIX, mientras que los de Hollywood se desarrollaron en la década de 1915.

Las estadísticas de 1998 muestran que la India y los Estados Unidos produjeron casi el mismo número de películas. Ahora, podemos ver que esto realmente ha aumentado ya que el promedio de la década de 2005 a 2010 es el doble de películas hechas en la India que en los Estados Unidos. Hoy en día, China produce 526 películas en China, mientras que 500 se producen en los Estados Unidos. Los dos principales productores cinematográficos del mundo son China e India, y Estados Unidos estará en el tercer puesto, pero no muy lejos del cuarto, ya que el cuarto país es Japón, cuya producción es casi equivalente a la de Estados Unidos. Se trata de un fenómeno nuevo, ya que vemos que los Estados Unidos fueron claramente el segundo país en términos de producción mundial en 1998. Hay una erosión de la posición de los Estados Unidos a favor de un cambio hacia el Pacífico y la afirmación no sólo de la India, sino también de China y Japón como lugar de producción cinematográfica. Una explicación muy simple se puede dar a este fenómeno que es la población. Hay más de mil millones de personas en India y China. Otra explicación de que India y China constituyen sus propios mercados cinematográficos que no pueden ser plenamente satisfechos por la producción estadounidense.

Existe un centro de producción europeo con una media de 220 películas en Francia y alrededor de 100 en el Reino Unido. El polo europeo representa más o menos lo mismo que el polo americano o el polo chino. Para resumir, hay cinco productores en todo el mundo hoy en día: China, India, Japón, Europa y los Estados Unidos. Muy por detrás, hay pequeños productores aislados como Brasil, Argentina, Nigeria o Indonesia entre otros. Es una estructura muy concentrada, no está tan concentrada como otros tipos de industrias, y tal vez está menos enfocada hoy que ayer hasta el punto de que la India y los Estados Unidos eran más claramente diferentes del resto de la producción que hace unos años. La configuración muestra la muy buena posición de Francia con 200 películas al año.

El hecho de que produzcamos muchas películas no significa que las exportemos, las vendamos o ganemos mucho dinero. La verdad es que las películas hechas en la India y China apenas se exportan, se destinan casi exclusivamente al mercado interior chino y al mercado interior indio. Esto todavía representa un mercado de alrededor de 3 mil millones de personas. Las películas de Bollywood suelen ser musicales que cuentan una historia romántica que desde el punto de vista occidental es poco probable y muy estereotipada. Estas películas se distribuyen principalmente en los mercados nacionales, que son un mercado colosal, pero un mercado poco solvente para los occidentales.

Si comparamos no la producción media de películas, sino los beneficios que se obtienen o el número de entradas que se venden, nos damos cuenta de que esto cambia completamente. Si Estados Unidos produce la mitad de películas que la India, si Hollywood en cuanto al número de películas pesa la mitad que Bollywood, si vemos los beneficios, los beneficios son del orden de 2.000 millones de dólares para Bollywood y 51.000 millones de dólares para Hollywood. Es decir, Hollywood en términos de beneficios pesa 25 veces más que Bollywood, pero produce la mitad de las películas. Dicho de otro modo, las películas americanas obtienen en promedio 50 veces más beneficios que las películas indias. Esto no se encuentra en muchas entradas vendidas ya que el número de entradas vendidas en la India es de 3 mil millones, mientras que Hollywood representa sólo 2,6 mil millones de entradas. El problema no es el número de entradas, sino el precio de entrada. La mayor parte de los beneficios de una película ya no tienen nada que ver con las entradas de cine. Los beneficios de una película tienen que ver con los derechos de televisión, las ventas por Internet, las ventas de DVD, el merchandising y el merchandising. Otra gran diferencia entre Hollywood y Bollywood es el costo promedio de una película: 5 millones de dólares en Mumbai y 80 millones de dólares en Hollywood. Así que una película americana produce 50 veces más beneficios que una película india, aunque cuesta 20 veces más. En correctivo está la tasa de crecimiento, ya que la tasa de crecimiento del cine indio es actualmente del 13%, mientras que la de Hollywood es del 6%.

Es una estructura muy concentrada, no en cuanto al número de películas producidas, sino en cuanto a los beneficios. En términos de beneficios, Bollywood sigue siendo insignificante a escala internacional.

La producción está muy concentrada en los Estados Unidos, aunque existe cierta diversificación. Este fenómeno de concentración espacial de la producción en los Estados Unidos es antiguo. El cine nacido en 1895, lo inventó casi al mismo tiempo Edison en Estados Unidos y los hermanos Lumières en Lyon. El debate gira en torno a la definición de cine. No es fácil decir qué es el cine. No es fácil decir qué es una película. Según la definición dada, fue inventado en Nueva York por Edison o en Lyon por los hermanos Lumières. Si piensas que una película son imágenes en movimiento que están impresas en una película sensible y un espectador está viendo, es Edison. Si la definición de cine se refiere a una proyección en una pantalla, entonces fueron los hermanos Lumières quienes la inventaron el mismo año en que Edison tenía 1895. La situación en 1910 era más bien de duopolio, con casi dos países vendiendo, pero la posición de Europa era mejor que la de los Estados Unidos, esencialmente porque la producción europea era de mejor calidad, menos repetitiva y más innovadora que la estadounidense. En la década de 1910, aún no hicimos un largometraje. Llega la Primera Guerra Mundial que prácticamente pone fin a la producción europea, Estados Unidos sigue produciendo en el período. Al final de la Primera Guerra Mundial, la industria cinematográfica europea prácticamente había dejado de existir, mientras que la de los Estados Unidos había crecido enormemente. Las relaciones han cambiado y lo que también cambiará es que los Estados Unidos lograrán prohibir la importación de películas europeas en territorio estadounidense. Ya no es posible emitir películas europeas en territorio estadounidense. A partir de 1918, los europeos no exportaron prácticamente ninguna película a los Estados Unidos, mientras que los Estados Unidos hicieron lo contrario de buena gana. Los Estados Unidos tienen dos mercados, el mercado interior estadounidense y el mercado europeo, mientras que los europeos se ven obligados a conformarse con su propio mercado, que también está muy fragmentado. En esta configuración, el cine americano ha crecido en poder, mientras que el cine europeo, que también está menos estructurado económicamente, se estancará. La Segunda Guerra Mundial será una vez más una señal de que se ha detenido el crecimiento del cine europeo, mientras que el cine estadounidense sigue creciendo y embelleciéndose, y nos encontramos en la década de 1950 en una situación muy cercana a la actual, en la que la producción estadounidense es realmente masiva y dominante a escala mundial.

No siempre fue así, en la década de 1910 era Europa la que tenía la ventaja y se puso en marcha gracias a una política ultraproteccionista de la industria cinematográfica americana gracias a las dos guerras mundiales o a causa de ellas. Sin embargo, en la actualidad el mercado está dominado esencialmente por la producción estadounidense. Las veinte películas de taquilla más taquilleras del mundo que más dinero han ganado son todas estadounidenses o, al menos, en inglés. Este fenómeno es parte de la historia. Hay un sesgo cuando miramos esta taquilla, que es que las películas ahora hacen mucho más beneficios que en el pasado y luego no podemos comparar el dólar hoy con el dólar en el pasado.

Si estas cifras se corrigen por la inflación, la taquilla es muy diferente. Los primeros veinte éxitos de taquilla en todo el mundo son todas películas americanas. Hay una demostración muy clara de la capacidad del cine estadounidense para obtener beneficios y mucho más que el cine indio, chino, japonés, alemán o francés. No sólo está vinculado al mercado estadounidense, sino también al hecho de que es un cine que se exporta, mientras que el cine indio o chino es más difícil de exportar.

Si tomamos la situación contraria, encontraremos un fenómeno que es comparable con pequeñas variaciones. En cuanto a las taquillas europeas, en el contexto de la taquilla francesa, el mayor éxito de la historia del cine francés en cuanto al número de espectadores es Titanic. También tiene películas francesas que tienen un gran éxito en Francia. Las películas francesas que han tenido un éxito colosal son películas que cuestionan la identidad francesa. La película Titanic, por ejemplo, no cuenta la historia americana, sino la historia británica. Existe una posibilidad más universal de identificación.

La cultura americana habría adquirido un valor universal; básicamente, entendemos las películas que hablan de América mientras que no entendemos una película que viene de la India. La paradoja y la razón por la que entendemos tan bien a la sociedad estadounidense es porque la vimos en las películas. La razón por la que podemos ver muy fácilmente una película americana de Estados Unidos es porque ya la hemos visto antes y porque esta sociedad americana gracias al cine es mucho menos desconocida para nosotros que la sociedad india o la sociedad china. La alteridad en el cine implica compartir ciertos códigos.

La fragmentación del cine en espacios culturales es un fenómeno nuevo. Esto está relacionado con la invención del cine parlante en 1929. En ese momento el cine dejó de ser universal. En 1929 se empieza a hablar es la cuestión es saber qué idioma hablar. El cine deja de ser un cine universal. Esta es la razón por la que Charlie Chaplin continuó la película muda.

Las Majors

Nos centraremos en la producción y la concentración de la producción. Pensaremos en términos de estructuras económicas. Cuando hablamos de concentración, razonaremos en términos de concentración espacial, pero también en términos de estructuras económicas. No estamos en la situación caricaturesca de los años 30, donde había muy pocos estudios, la situación se ha diversificado un poco, pero esto también se debe a que los estudios se han convertido en una especie de conglomerado que cubre realidades muy diferentes.

Cuando Allen Scott propuso este esquema en On Hollywood: The Place, The Industry, publicado en 2004, había siete grandes estudios en todo el mundo que eran las grandes compañías que tenían una enorme superficie financiera, asegurando el estreno de las películas más numerosas y caras y que ganaban más dinero.

En términos de porcentaje, ¿cuál es la participación de estas estructuras mediáticas en la producción? Distinguiremos la concentración en las cuatro empresas más grandes y en las ocho más grandes y pensaremos en términos de producción, distribución, proyección y postproducción. En cuanto a la producción cinematográfica, un tercio o la mitad, dependiendo de si se trata de las cuatro o de las ocho mayores empresas, un tercio de los ingresos cuando la mitad de los ingresos proceden de los grandes estudios, si se mira la distribución de películas, está totalmente bloqueada por los grandes estudios, el 82% de las películas son distribuidas por los cuatro grandes estudios y el 92% por los ocho grandes estudios. Para la proyección, es un poco menos de la mitad porque todavía hay pequeños cines independientes y la gran diferencia es la postproducción. Los grandes estudios están casi ausentes que tomamos los cuatro estudios más grandes o los ocho estudios más grandes que proporcionan una quinta parte de la postproducción. La postproducción a menudo se subcontrata. En todo Estados Unidos, estos cuatro grandes estudios obtienen la mitad de los beneficios de la producción cinematográfica, cuatro quintas partes de los beneficios de la distribución cinematográfica y un tercio de los beneficios de su producción. Se trata de una estructura en la que, en todo momento, en la industria cinematográfica, la producción cinematográfica, la distribución de películas o las proyecciones, casi la mitad, dos tercios o tres cuartas partes del sector están en manos de los grandes estudios. El único sector que escapa al control de los grandes estudios de Hollywood es la postproducción.

Hollywood y otros SPLs de cine

Vamos a ver cuántas de estas diferentes actividades hay en la industria cinematográfica, no en Hollywood, sino en el condado de Los Ángeles.

Este mapa es un mapa satelital de Los Ángeles. Lo que aparece en un color azul es la aglomeración, aparece el centro de la ciudad de Los Ángeles, el puerto de Long Beach, el valle, Pasadena, Santa Mónica y Hollywood. Lo que está en rojo es la vegetación y lo que está en azul son las áreas habitadas. Lo esencial se proporciona en Hollywood o Santa Mónica o en el valle.

¿Cuánto de la producción americana está asegurada en el condado de Los Ángeles? En términos de producción cinematográfica, tres cuartas partes de los ingresos están en Hollywood, donde una cuarta parte de los establecimientos están en Hollywood, pero dos tercios de los puestos de trabajo están en Hollywood. En otras palabras, dos tercios de los empleos en Estados Unidos en la producción cinematográfica son en Los Ángeles y representan tres cuartas partes de los ingresos, pero eso es sólo el 26% del número de instalaciones. Esto significa que hay muchos establecimientos en otros lugares, pero son pequeños establecimientos que emplean al mundo y obtienen pocos beneficios ya que el 75% de los establecimientos de producción cinematográfica no son de Los Ángeles, pero es el 75% en términos de número de establecimientos que emplean sólo a un tercio de la industria y los empleados de producción y cosechan sólo una cuarta parte de los beneficios.

El fenómeno de la concentración espacial en Hollywood y grandes, tres cuartas partes de los ingresos de la producción estadounidense se encuentran en Los Ángeles y esto se acompaña en términos de concentración en términos de tamaño del estudio. Para decirlo de otra manera, hay estudios en Los Ángeles que son infinitamente más grandes que en cualquier otro lugar y representan tres cuartas partes de los ingresos y tres cuartas partes de los presupuestos. Para la distribución de películas, esto es más complicado. Los beneficios de la distribución cinematográfica se mantienen en un 60% en Los Ángeles, lo que no significa que las películas se distribuyan allí, pero en lo que respecta al control de la distribución cinematográfica en los Estados Unidos, los ingresos se benefician en un 60% en Los Ángeles. El 45% o casi la mitad de las personas que trabajan en esta industria de logística que es la distribución de películas de vida en Los Ángeles. La mitad de las personas que organizan la distribución de películas en Estados Unidos viven en Los Ángeles. Los Ángeles representa la mitad de los ingresos de postproducción. En términos de la industria cinematográfica en Estados Unidos, tanto en términos de producción y distribución como de postproducción, representa entre la mitad y las dos terceras partes de los puestos de trabajo que hay en Los Ángeles y entre la mitad y las tres cuartas partes de los ingresos que se generan en Los Ángeles. El único punto en el que Los Ángeles no monopoliza la actividad relacionada con el cine es en lo que se refiere a la proyección de películas que se distribuyen por todas partes.

Hay un fenómeno importante de doble concentración, una concentración organizativa en unos pocos estudios grandes y una concentración geográfica o casi toda la industria cinematográfica es operada por una docena de estudios ubicados en el área metropolitana de Los Ángeles.

¿Qué hace que las 20 películas que más beneficios han producido en la historia de la humanidad hayan sido producidas no sólo en Estados Unidos, no sólo en California, no sólo en Los Ángeles, sino en esta pequeña parte de la generación de Los Ángeles? ¿Qué está pasando en Hollywood para crear tal fenómeno? Nada. La pregunta es, ¿cómo sucedió esto?

Siempre tienes la impresión, cuando cuentas la historia del cine o de las industrias, de que de repente estás haciendo un descubrimiento tecnológico que todo el mundo ha estado esperando. La idea sería que en 1929 inventemos el cine hablado y dejemos de ver cine mudo, y tengamos la impresión de que en los años 30 inventamos el cine en color y dejamos de ver cine en blanco y negro. No es así como ocurrió en absoluto. De hecho, desde el principio del cine, sabemos cómo hacer películas en color y también sabemos cómo hacer películas habladas. Las primeras películas en color datan de 1917 y 1918. Lo que sucede en 1929 no es que inventemos una nueva técnica, sino que inventamos su interés. La primera película no es una película hablada, sino una película cantada llamada The Jazz Singer. Todo el mundo deja de hacer cine mudo y todo el mundo empieza a hacer cine sonoro, excepto Chaplin. Chaplin seguirá obstinadamente haciendo películas que no son mudas porque hay música, sino películas en las que no habla. La primera película donde Charlie Chaplin habla es en 1936 en la película Tiempos Modernos. Chaplin demuestra que no es un actor americano, sino inglés y si habla inglés es con acento británico. Demuestra que es un actor que habla un lenguaje universal y demuestra sobre todo que no vale la pena hablar. Chaplin muestra que el lenguaje en el cine es inútil ya que entendemos muy bien lo que nos dice sólo con sus posturas y sólo con su lenguaje corporal. Desde el punto de vista de la geografía de la industria cinematográfica, ante el riesgo de fragmentación del mercado, Chaplin ofrece una respuesta en un lenguaje internacional que no es un lenguaje de nadie.

En 1885, en Hollywood, era un área de huertos en las afueras del área metropolitana de Los Ángeles. En esa época, la gran ciudad californiana era San Francisco. California comenzó a poblarse a partir de la década de 1850 con la ocasional calle de oro, San Francisco se convirtió en un importante puerto y Los Ángeles sigue siendo una ciudad muy pequeña. La razón por la que Los Ángeles se va a convertir en una gran ciudad está relacionada con el desarrollo y la llegada del ferrocarril y el desarrollo de la gran industria cinematográfica, así como del petróleo. A finales del siglo XIX, Los Ángeles es considerado como el fin del mundo, era necesario cruzar los Estados Unidos, el centro económico de los Estados Unidos se encuentra desde hace mucho tiempo en la costa oeste. La costa atlántica abarca la conurbación costera desde Washington y Baltimore hasta la ciudad de Nueva York, Boston y Portland hasta la región de los Grandes Lagos, Detroit y Chicago. Allí es donde se desarrolla la mayor parte de la vida intelectual y la mayor parte de la producción, donde se ubican las principales universidades y centros de investigación y, por supuesto, cuando se inventó el cine en Estados Unidos en 1895, fue en Nueva York. Inmediatamente se comprendió el potencial comercial del cine y Edison creó inmediatamente una productora cinematográfica y varios estudios que eran los estudios de la empresa Edison. Edison presentó una patente para proteger sus derechos. Es una industria basada en ideas y conocimientos, por lo que significa mantener el beneficio de las ideas mediante la presentación de una patente. Al presentar esta patente, Edison prohibió que cualquier persona ajena a sus empresas copiara y realizara películas. Así, entre 1895 y la década de 1920, se crearon grandes estudios no realmente en Manhattan, sino al sur de Manhattan, en Nueva Jersey, que se convirtió en la capital americana del cine, convirtiéndose en uno de los primeros lugares en el mundo del cine con Francia con estudios parisinos, Londres, pero también Berlín. Las primeras películas de la historia del cine estadounidense se rodaron en Nueva Jersey hasta la década de 1930. En California, hasta 1914 y 1915, no pasó nada. Hollywood es un huerto. Durante unos veinte años, la industria cinematográfica neoyorquina floreció y fue el único lugar de los Estados Unidos donde se produjeron películas.

¿Entonces por qué Nueva York? Nueva York tenía los recursos intelectuales, los ingenieros, pero también los inventores que habían estado allí durante mucho tiempo y que sabían hacer objetos; había una industria mecánica, una industria fotográfica, una industria mecánica que está en el origen de la industria cinematográfica en términos de óptica, pero también en términos de electricidad, que también presuponía el espectáculo. Al principio, el cine era como el teatro filmado. El gran escenario en términos de teatro era Broadway. Era lógico que el cine se desarrollara donde había industrias mecánicas, eléctricas y ópticas por un lado y luego el teatro por el otro. También necesitaba capital, estaba la Bolsa de Valores de Nueva York, y necesitaba una audiencia y Nueva York era la ciudad más grande de los Estados Unidos. Era bastante lógico, porque incluso se podría decir que el cine no podía construirse en otro lugar que no fuera Nueva York. Nueva York estaba predestinada a convertirse en la capital americana del cine de forma caricaturesca y por muchas razones. Por otro lado, Nueva York está muy bien conectada con los Estados Unidos, es muy fácil exportar a otros estados y otras ciudades de los Estados Unidos. Esta floreciente industria ya estaba obteniendo enormes beneficios en 1905 y 1910. Al principio es un cine de atracción que muestra cosas y poco a poco va contando historias.

Uno se pregunta por qué el área de Nueva York ha decaído totalmente en términos de producción cinematográfica desde que el cambio completo de toda la producción se transfirió en pocos años a California. Hay una serie de mitos que se han contado. En 1885 apareció el primer estudio de Hollywood, a partir de 1922 el paisaje cambió mucho con los grandes estudios de Hollywood.

Hay mitos sobre por qué el cine dejó Nueva Jersey y se mudó a California. El primer mito y el del sol. Un segundo mito (justifica de alguna manera el traslado de los estudios al sur de California y que se encuentre en los paisajes de California todos los paisajes del mundo y el cine necesitan escenarios que sean escenarios naturales porque son más espectaculares, menos caros y más creíbles que los escenarios que se pueden crear en estudio. California ofrecería una variedad de paisajes que permitirían rodar todas las películas del mundo en escenarios naturales. No es cierto que el tiempo y la variedad de paisajes predestinaron a Hollywood a convertirse en la capital mundial del cine. No ocurrió inmediatamente, hubo un desarrollo de un estudio en Florida, también en Chicago.

La explicación real está ligada a las patentes y al estatuto jurídico del cine. Edison, con métodos legales y deshonestos, había logrado hacer valer sus patentes y evitar el desarrollo de cualquier industria cinematográfica en el estado de Nueva York. La aplicación de la ley, la ley y el monopolio de la industria cinematográfica se hicieron cada vez más difíciles a medida que uno se alejaba cada vez más del lugar donde uno ejercía su poder y del lugar donde uno disfrutaba de su poder, a saber, la costa oeste. La razón principal era que cuanto más nos alejábamos de Nueva York, más podíamos hacer películas sin que Edison se interpusiera en el camino. La razón era escapar del monopolio de Edison y escapar de las demandas que Edison no habría dejado de entablar contra ellos si hubieran desarrollado su negocio. Así que la razón por la que empezamos desde Nueva York es que hay una situación de monopolio que limita la entrada al mercado. En la década de 1910, no fue posible entrar en el mercado cinematográfico, que estaba completamente bloqueado por las patentes de Edison. La única solución es huir de esta jurisdicción y huir del área de influencia de Edison para llegar lejos. La razón por la que fuimos al fin del mundo para conocer California fue primero porque era el fin del mundo. Tenías que dejar la costa este, tenías que dejar Nueva York y de alguna manera ir tan lejos como fuera posible.

Es posible desarrollar una cronología. El primero es Griffith, que en 1910 llega a Los Ángeles con grandes estrellas de la costa este que son las grandes estrellas de las películas mudas, es decir, Lilian Gish y Mary Pickford para rodar en la vieja California. En 1911 se crearon los Estudios Néstor, en 1912 nació el antepasado de los Estudios Universal. Hasta 1913, el centro de producción siguió siendo Nueva York. Sólo en 1914 se rodó el primer largometraje en California y fue una película de Cecil B. Demille titulada The Squaw Man. El momento más significativo data de 1915, titulado Birth of a Nation (Nacimiento de una nación), que es una película de Griffith que para muchos historiadores cinematográficos es la primera película en la historia del cine. Griffith pondrá en marcha casi todos los códigos del cine actual. En 1916, tuvo lugar el primer éxito de taquilla titulado Intolerancia, contando la historia de la humanidad. De ahí, poco a poco, todos los productores, todos los directores, todos los guionistas, todos los actores emigrarán a Hollywood donde se produjo esta innovación, que no es la invención del cine, sino la de la película.

A finales de los años 1910 y principios de los 1920 los grandes estudios, los estudios, las grandes estructuras de la organización de Hollywood se establecieron con la creación de la asociación de productores y distribuidores de cine americano, y en 1923, que es un momento canónico se hace el signo de Hollywood que es en realidad un anuncio para una subdivisión. En 1927 se estrenó la primera película sonora y en 1929 tuvo lugar la primera ceremonia de los Oscar. Los años 1927 a 1948 marcaron la gran era del Hollywood clásico que es la gran era de los estudios cinematográficos americanos. Este sistema se desintegró un poco a finales de la década de 1940, no porque planteara problemas económicos, sino porque la estructura del cine estadounidense era un oligopolio dominado por unos pocos estudios grandes y los estudios controlaban tanto la producción como la distribución y la proyección de la película. En 1948, la Corte Suprema de los Estados Unidos decidió romper este sistema, considerado anticompetitivo. Se considera que la integración de la producción, la difusión y la proyección en los mismos estudios es un fenómeno que rompe la competencia e impide el desarrollo del cine. Esta decisión de la Corte Suprema obligará a los productores cinematográficos a separarse de los cines y, por lo tanto, ya no serán dueños de los cines y, por lo tanto, los propietarios e inquilinos de los cines podrán comprar las películas que deseen. Este momento que marca el final de los grandes estudios es también el momento en que la televisión se desarrolla para que el modelo que nos hace ir al cine cambie, el cine venga cada vez más a nosotros.

Al razonar sobre las causalidades, los paisajes naturales, la luz y el clima son factores positivos, pero no importantes, el factor esencial era alejarse lo más posible de Edison y sus patentes. Hay otros dos factores que hacen que sea una buena idea ir a California, pero que no eran necesarios. La primera es que estamos en un espacio donde no había mucho y por lo tanto la tierra era muy barata y el cine es una industria que requiere mucho terreno. El hecho de que la tierra sea barata es un elemento importante, mientras que en Nueva York era muy caro. Cuando inventamos una nueva economía, no es fácil ponerla en el mismo lugar que la economía pasada. En otras palabras, cuando cambie el paradigma económico, cuando se produzca una verdadera revolución económica, las antiguas regiones ricas sufrirán la desventaja de estar ya desarrolladas. Paradójicamente, desde el punto de vista económico, el hecho de que California fuera un verdadero desierto era algo suficientemente positivo para la industria cinematográfica porque prometía tierras baratas. Por otro lado, hay toda una logística del cine que es muy intensiva en mano de obra y esta mano de obra estaba presente en California debido a los huertos. La agricultura de huerta era una agricultura cuya base de mano de obra eran inmigrantes de México y es en esta fuerza de trabajo de los trabajadores agrícolas que la industria cinematográfica dependerá.

¿Por qué California en lugar de cualquier otro lugar? No hay razón para eso. Eso podría haber ocurrido en cualquier otro lugar de los Estados Unidos. La razón por la que esto va a suceder en California y Los Ángeles es que los dos directores que planean hacer varias películas vendrán a Los Ángeles. Las dos primeras películas que cuentan son Birth of a Nation y The Squaw Man. Estas dos películas son grandes éxitos y el éxito llama al éxito, es un efecto de bola de nieve. Estas dos películas serán una especie de atractivo. Ya no podía pasar en Nueva York, tenía que pasar en otro lugar, y una vez que pasó en otro lugar, se creó un efecto de bola de nieve para que este lugar se volviera cada vez más atractivo para el cine y, después de diez años, se volvió tan grande que era imposible desarrollar el cine en otro lugar que no fuera este polo donde hay tanta concentración de actividades cinematográficas.

¿Por qué existe este fenómeno de aglomeración? Hay una especie de misterio que hace que una industria tan inmaterial como el cine, que realmente puede ponerse absolutamente en cualquier lugar, ¿por qué se van a poner todos en el mismo lugar? El efecto cluster es muy espectacular.

Este mapa muestra las productoras de cine en 2001. Cada punto pequeño representa una productora de cine y está representado por cuadrados debajo de los grandes estudios. La escala es la del área metropolitana de Los Ángeles. Hay una lógica muy fuerte que es una lógica de clúster, una lógica de aglomeración que hace que estas compañías de producción se magneticen entre sí. Podría haber surgido otra lógica geográfica que sería una lógica dispersa o con varios polos. El fenómeno como tal no puede explicarse, es decir, las fuerzas en acción que explican este fenómeno de aglomeración. Los teóricos económicos, empezando por los que han captado este fenómeno, utilizan el término distrito industrial de la misma naturaleza, con los mismos procesos y la misma dinámica que explican la aglomeración de Silicon Valley.

Una de las características de las industrias culturales es que son oligopolios marginales, es decir, que hay unos pocos productores que monopolizan el 90% de la producción y, por otra parte, hay empresas independientes muy pequeñas con estructuras flexibles que funcionan independientemente unas de otras y de los grandes estudios. Por un lado están los mayores y por el otro los independientes. Lo que caracteriza a los grandes estudios son sus elevados medios financieros y materiales, que les permiten, en particular, beneficiarse de fuertes economías de escala y distribuir a gran escala. Los autónomos están especializados en un sector de producción y distribución muy flexible. Además, están las instituciones que sirven para mejorar y estructurar el sistema.

Es un fenómeno de aglomeración masiva de actividades a todas las escalas y merece una explicación. Tenemos que examinar la estructura organizativa y el funcionamiento de este sector. La idea es la de una operación oligopolística marginal con, por un lado, estructuras de producción muy grandes con grandes editores y grandes casas de moda y, por otro, pequeños independientes. La idea central es que necesitamos estructuras muy grandes que garanticen una producción muy grande y, por otro lado, estructuras pequeñas que den flexibilidad al proceso creativo en sí.

Las instituciones no son realmente sistemas de producción, las instituciones no producen películas. Hay muchos actores colectivos que no son empresas y que juegan un papel esencial en la producción. Hay la Academia de los Oscar, por ejemplo, sindicatos que son una especie de gremios y cofradías que no reunirán a todos los trabajadores del cine, sino que, por ejemplo, reunirán a toda la gente que entrena a los animales. Estos sindicatos defenderán sus intereses y los de sus afiliados. La MPAA es como el organismo colectivo que regula la producción de películas americanas. Hollywood no es sólo los grandes estudios, sino también las instituciones reguladoras como el código de Hays o el sistema de códigos que son muy poderosos, que son muy eficientes y están muy vinculados entre sí. Estos estándares son implementados con mucho cuidado, pero primero la función es comercial.

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Las instituciones no son realmente sistemas de producción, las instituciones no producen películas.

En el diagrama de la izquierda aparece la parte de la producción que está asegurada por los estudios independientes en gris y los grandes estudios en gris oscuro. La frecuencia, que es el porcentaje de películas y la taquilla nacional, se representa mediante una escala logarítmica. Casi toda la curva independiente está a la izquierda y casi toda la producción de los grandes estudios está a la derecha. A la izquierda, son principalmente los independientes que hacen muchas películas que hacen poco dinero, y a la derecha las grandes compañías que hacen muchas películas que hacen mucho dinero.

El diagrama de la derecha es un poco más complicado e intenta conceptualizar la evolución de la producción cinematográfica. Hay un eje de flexibilidad con grandes estudios que son pesados y muy inflexibles, así como entidades pequeñas y por lo tanto muy flexibles, y hay un eje que muestra la estandarización de los productos. El viejo Hollywood se refiere a la celda. El sistema explotó dentro y dentro. Son empresas independientes, pequeñas e independientes que se han separado de los grandes estudios siendo de pequeño tamaño la fabricación de productos muy poco estandarizados. Hay la evolución de viejos estudios a nuevos estudios y luego el surgimiento de independientes. La cuestión es la relación entre el tamaño y la flexibilidad de las instituciones, por una parte, y la innovación y la normalización de los productos ofrecidos, por otra.

¿Por qué se requiere una copresencia en el espacio? ¿Por qué estos grandes estudios y también los pequeños productores independientes tienen que estar uno al lado del otro? La explicación se encuentra en la misma historia que explica la formación y el mantenimiento de todos los demás distritos industriales. Existe una fuerte interconexión entre productores vinculada al flujo de información. Es en un entorno profesional donde circula mucha información entre los diferentes productores. El sistema de producción se llama "one shot". La aplicación de estas configuraciones da lugar a negociaciones muy complicadas. La interacción sólo puede tener lugar a través de la copresencia física, es decir, para producir una película en Hollywood, el escritor, el productor, el director y las dos estrellas tienen que verse todo el tiempo durante seis meses. También está la cuestión de la atracción, es decir, en Hollywood está el mejor cine del mundo, el más talentoso, el más formado, el más reputado y el que más dinero gana en el cine. Hollywood tiene la capacidad de atraer talento de todo el mundo para trabajar donde se hacen las mejores películas. Existe un fenómeno de círculo virtuoso. Nos enfrentamos a una ley que es la ley de la atracción, lo que significa que cuanto más pesado es un cuerpo, más atraerá a otros cuerpos. En lo que se refiere a la regulación, existen organismos reguladores locales que tienen todo en sus manos, como estas famosas corporaciones, gremios, asociaciones, institutos de investigación y universidades. Esto es de naturaleza política, lo que garantiza que el sistema sea supervisado y funcione sin problemas. Es una sociedad con autoridades, instituciones y centros de poder que desempeñará este papel, creará vínculos y unirá este entorno para convertirlo en uno bien organizado y regulado. El cine como industria cultural no está desconectado de otras actividades económicas. El distrito de Hollywood es una industria cinematográfica, pero depende de otros recursos económicos que están muy presentes en la aglomeración, a saber, la industria discográfica, la industria musical, la industria de los juegos, la industria del turismo y la edición. La razón última es algo tan simple como el hecho de que las personas necesitan verse entre sí, que es la necesidad de que los seres humanos tengan intercambios de información complejos y sensibles cara a cara. Hay mucho intercambio no verbal. El problema es el flujo de información compleja y la incapacidad de separar información compleja de quienes la poseen. El distrito de Hollywood es una industria cinematográfica, pero depende de otros recursos económicos que están muy presentes en la aglomeración, a saber, la industria discográfica, la industria musical, la industria de los juegos, la industria del turismo y la edición.

Hay un efecto de bloqueo en el espacio de la ventaja comparativa que hace que Hollywood no se pueda extender. Esto permanecerá bloqueado localmente. Hay un bloqueo en el espacio que hace que esto suceda localmente es un bloqueo en el tiempo que hace que todo resulte de una acumulación de más de cien años. Todo lo que se ha capitalizado permanece localmente. Si Hollywood sigue siendo Hollywood, es debido a este doble bloqueo en el espacio y el tiempo de la ventaja comparativa.

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Hay dos maneras de trazar un mapa del funcionamiento de Hollywood, que es que Hollywood es una red y es una red que conectará a los grandes productores y a los pequeños productores que estarán permanentemente conectados para la realización de un producto. La densidad e intensidad de estos vínculos está ligada a la proximidad de los polos. Puede haber interacciones complejas con una persona en la red si usted no está demasiado lejos. También está la idea del sistema concéntrico con en medio las grandes empresas, alrededor están los independientes, luego los servicios especializados y más allá la demanda, las instituciones y el entorno geográfico.

También hay un distrito de cine en París. Si mapeamos las empresas dedicadas a la producción cinematográfica y visual en Francia, vemos que hay 142 productoras ubicadas en Francia y casi el mismo número en el octavo distrito de París. Existe el mismo fenómeno de concentración y por las mismas razones. En el norte de París, está la ciudad del cine creada por iniciativa de Luc Besson, que es una antigua fábrica. Estos enormes hangares se han transformado en estudios de cine. El distrito de cine parisino está en proceso de desarrollo.

Una distribución polarizada

Las películas son bienes culturales y, como todos los bienes culturales, se hacen con signos y códigos. Para consumir una película, hay que entender un código. Los bienes culturales no sólo tienen una función simbólica, sino que también son portadores de identidad. La identidad colectiva y nacional se basa en una circulación de objetos simbólicos que pueden ser novelas, canciones, fotografías, pinturas, pero también películas. Así que la película lleva algo simbólico de acuerdo a una identidad que tiene sentido para una población dada. Para difundir un bien cultural a través de la frontera, es necesario encontrar un vector, porque es en la lógica que no pasa. Lo que es misterioso es que pasa. Cada país vivirá en un circuito cerrado, pero algunas obras adquirirán valor universal. Esto está ligado al valor excepcional de estas obras, pero también está ligado al hecho de que también fue transportado por un vector. Esto puede explicar el hecho de que las películas americanas se exporten, ya sea por la calidad de la producción o por el imperialismo cultural americano. La cultura americana tuvo éxito en ir más allá de las fronteras de América, particularmente durante la Segunda Guerra Mundial, y se volvió familiar. Hay una configuración geopolítica, pero también una capacidad de atracción y seducción del mundo americano y de la sociedad americana. El estilo de vida americano y el sueño americano tienen un significado real. El éxito estadounidense no es sólo el resultado del imperialismo cultural estadounidense, sino también la causa. Es la difusión de un modelo cultural que llega a ser transnacional, incluso universal. En la mayoría de los países, la gran mayoría de las películas vistas y distribuidas son estadounidenses.